――まず、RM-07を導入することになった経緯を教えてください。

「昔から一緒に作業をしている相馬さんから「Pioneer DJの凄いスピーカーがあるから発売前の試聴会に行きましょう」と誘われて、それでPioneer DJに伺ったんですね。正直最初は凄いと言っても、「どんなもんなんだろう」と甘く見ていたんですけど、実際に聴かせてもらったら正直結構びっくりしまして。僕がその前に使っていた、同じく同軸で解像度の高い ”従来製品A” がちょうど試聴会での比較対象のスピーカーにあって、どのぐらい匹敵するのかなと聴き比べ続けていたら、最終的にはむしろRM-07の方が良いと思うようになっていて。そしたら周りの人たちも「良いよね」ってザワザワしてたんですよ（笑）。」

――モニタースピーカーの配置や、吸音と反射の部分も含めて、このスタジオのセッティングについて教えていただけますか。

「エンジニアの立ち位置だと、どちらかと言うと出ている音をちゃんと判断する部分が大きいと思うんので吸音をすると思うんですよ。僕も前は吸音してたんですけど、あまり吸音した音が好きじゃなくて、逆に木で反射させて余計なロウエンドをカットする方法を教えてもらってから、木のボードを配置しているんです。正しく反射させて、正しく要らないところをカットするという方法ですね。もちろん多少は吸音しているんですけど、基本的には反射させるという考え方ですね。」

――モニタースピーカーの位置は少し高めに置いているんですか？。

「110センチぐらいの高さなんですけど、音がモニターの上で鳴らないといけないですし、これより下だと若干バスレフが隠れてしまうんです。真ん中に座って背筋を立てるとちょうど耳の高さになって、スウィートスポットで聴けるんですよ。」

――RM-07を導入してからスムーズになった作業はありましたか？

「圧倒的にロウエンド見え方が変わったのは大きいですね。あと僕はバラードを作ることが多いので、リヴァーブの見え方が前と全然違いますね。今のJ-POPってリヴァーブがかかっていないようで、結構色んなリヴァーブとかディレイが何個もかかってるんですよ。それは実質はあまり聴こえないように、オケとの接着剤というか、馴染ませるために影のようにかかっているんですけど、そういうのを付けていく作業をしていると見え過ぎちゃって困るぐらい見えますよね。だからよく減らし過ぎちゃって、小さいラジカセで聞くと「あれ？ドライみたいだな」と思って、また増やす、みたいなことをやってますね（笑）。RM-07の特徴が出ると感じるのは、作曲の段階よりかは、歌が入ってから、歌の顔がはっきり見えるかどうかの部分ですね。よく僕らは「歌の顔の大きさ」って言うんですけど、リヴァーブとかディレイと同様に存在感がちゃんとわかるかという部分ですね。」

――楽曲を提供するアーティストの声質や歌い方など、ヴォーカルのことを意識しながらはどういう風に組み立てていくんですか？

「自分だけで作る場合は、設計図の中では常に主役でいるし、提供するアーティストさんのイメージをしながら足し算と引き算をしていくとこうなるかな、っていう作り方ですね。僕はアーティストさんと一緒に作るのも好きなので、よくこのスタジオにも呼びますね。コライトだと、計算できないところで結果的に予想だにしない方向に完成したりするのが魅力なのかなと思いますね。その真逆で、全員で一点を狙って計算をして作っていくこともありますね。そういう場合は歌のニュアンスとかまでそのアーティストさんに寄せたりとかしてデモを作りますね。今のデモってもう製品レベルと一緒なので、逆にぱっと聞いてもらった時に「このままでいこう」と思わせないと、コンペでは勝っていけないですね。」

――ではRM-07を導入してから一番思い通りに制作することが出来た楽曲は何ですか？

「Ms.OOJAさんの「あなたに会えなくなる日まで」ですね。ミックスもマスタリングも凄く綺麗で、エンジニアの片岡さんに「ありがとう！」って電話しちゃったぐらい感動しましたね（笑）。歌のエア感とエッジ感が浮いて聴こえる感じで、それこそRM-07の同軸ならではの定位感が活きていると思うんですけど、歌のエッジとか聴いてるとくすぐったくなる部分とかの存在感が凄く見えてきて、上がってきたマスタリングを聴いた時に興奮しちゃいましたね。」

――春川さんはバラードを多く手掛けられていますが、良いバラードを作る際に心掛けていることや意識していることは何ですか？

「良いバラードを作るには、何年経っても良いと感じるメロディーを作るしかないと思いますね。トラックだけじゃなく、メロディーで一度聴いただけでも良いと思えたり、「歌える」と思わせられたり、顔のあるメロディーを意識して作ってますね。」

――バラードのようなタイプの楽曲制作を多く手掛けるようになった理由は何ですか？

「オケ派かメロディー派に分かれるんですけど、僕の場合はオケよりかは圧倒的にメロディーが好きだったんですよ。だからそうなると、バラードの方がより発揮できるのかなと思っています。あとは僕のことを有名にしてくれたバラードが何曲かあって、それによる周りからのイメージとの相乗効果でここまできた部分がありますね。」

――先ほど仰っていた、リヴァーブやディレイのお話と近い部分はあると思うのですが、お一人でトラックを作っていくとなると、メロディーを引き立たせるテクニックなどもポイントになってくると思います。そういったトラックの細かな作り込みで重視していることは何ですか？

「僕の場合は、歌に対するカウンターメロディーです。「裏メロ」と呼ばれるものですね。やっぱりメロディーが大好きなので、もちろん裏メロを作るのも大好きで。例えば、歌のバックで鳴ってるストリングスラインが地味だけど意外と耳に残っていることってあるじゃないですか。それはシンセであったり、ギターのカッティングであったり、ベースラインの場合もあると思うんですけど。ひとつずつ意味のあるものが積み重なって曲になってると思うので、ただ流れで音を埋めていくだけじゃなく、意味のあるフレーズを歌に対して付けていくということですね。あまり全部が意味を持ってしまうと逆にうるさいんですけど（笑）。主役である歌の次に何かキャッチーな意味のある音を置いてから、肉付けしていくのが僕のアレンジの基本ですね。」

――メロディーをイメージしたりアイディアを得るために、欠かせない作業や大事にしていることはありますか？

「僕は音楽を聴かない時間を作ることです。移動中に音楽を聴いてしまうと考えられなくなってしまうことが多いので、音楽を聞かない時間の方が、逆にクリエイティヴになれているのかなと思う瞬間がありますね。もちろん、映画を観ながら、このシーンのBGMのメロディーが綺麗だなとか、良いストリングスラインだなと思って、受けている影響も少しはありますけどね。でも何も聴かない時に頭の中で鳴っている音が何なのかなと整理する時の方が大切ですね。メロディーが思い浮かぶ時は移動中が多いですね。スタジオでじっとして鍵盤に頼ると自分の手癖で作ってしまうので、そういう手癖が出ないように頭を自由にさせてます。」

――J-POPにおけるバラードとなるとUSのR&Bやソウルのようなジャンルとの結び付きも強くなってきますが、英語と日本語で歌われる言語が全く異なる中で、J-POPとしてのバラードを確立させるために考えてきたことはありますか？

「90年代後半から2000年代前半にJ-R&Bというムーヴメントがあった時に、僕も結構作ってたんですよ。当時はどれだけカッコ良くUSの感じを取り入れながら日本語でやるかということを意識していたし、そういうスタンスの人は多かったと思うんですけど、R&Bを日本語でやる場合って「どれだけ泣けるコード進行か」とか「切なさ」とか詰まる所そういう部分になりますし、みんなが好きな曲で共通している部分がそこなのかなと思います。切なさ加減でみんなの琴線に触れるものってコード進行によるものが多いので、そういう部分は気にしてきましたね。もちろん日本語で歌われることも考えてますけど、今は今で日本語とかが関係無い符割になっているんですよ。デモの段階で英語っぽい符割でも日本語詞がハマったりして、僕が若い時には考えられなかった今のビート感やグルーヴ感とか、音の詰まり方とかに若い子は当たり前に対応してしまっているんです。今は日本語が乗るから、英語が乗るからという部分は自由に考えられるようになっていますね。自分自身もコード進行とかでキュンとする感じが好きなので、ビート感は常にその時代っぽい雰囲気のものに変えて、その2つを組み合わせたりして作ってきましたし、これからもそうしていくと思います。」